Datum
Plaats
Bio
Charles Cornette debuteerde al op zijn achtste
in een kinderrol in Arthur Millers All my sons
in de amateurkring te Vilvoorde waar zijn vader souffleur was. Eind jaren
zestig werd hij vast acteur in de KNS, waar hij bij gastregisseur Arturo
Corso in het oog sprong toen hij tien dagen voor de première van Dario
Fo’s Het zevende gebod de hoofdrol overnam van een zieke
collega. Geïnspireerd door Fo en na de ervaring met Mistero Buffo
in de Muntschouwburg namen Cornette en Uitterlinden samen met Corso en Lagay
het initiatief tot het oprichten van de Internationale Nieuwe Scène om met de
succesproductie Mistero Buffo nog jarenlang te toeren op
eigen voorwaarden. “Die voorstelling had echt te maken met het leven van de
mensen, maar draaide een aantal waarden wel compleet om.”
Interview
Theater was ineens een bindend element
Hoe kwam je in het theater terecht?
“Ik moet acht jaar geweest zijn toen de amateurkring
in Vilvoorde Mijn zonen allemaal van
Arthur Miller speelden. Daarvoor hadden ze een kind nodig en mijn vader die
daar souffleur was, dacht aan mij. Ik speelde toen voor het eerst in mijn leven
en besliste meteen dat ik acteur wilde worden. Ik bleef trouw aan dat idee.
Later begonnen we in Vilvoorde ‘Theater 61’, waar we John Osborne
speelden met François Beuckelaers in een regie van mijn broer Willy. We
maakten een theatertje in een garage. In die tijd ontstonden een aantal
kamertonelen, het was een soort avant-garde. We speelden Beckett en Edward
Albee. We maakten ook bewerkingen van Kafka, zoals De Grafbewaker.
Daarna ben ik naar de Studio gegaan, een jaar na François Beuckelaars. Zo kwam
ik in het beroepstheater terecht.”
Wat waren jouw inspiratiebronnen?
“Toen ik op school zat, werd ik echt verliefd op
theater. De toneelgroep met studenten van de hoogste klassen, maakte een
bewerking van De Drie Musketiers
van Roger Planchon. Ik was stapelgek op het personage de knecht van
d’Artagnan. Dat is mij altijd enorm bijgebleven. Misschien omdat we in onze
jeugd heel veel filmpjes hebben gezien van De dikke en de dunne van
Chaplin, wat voor mij altijd een grote inspiratiebron is geweest. Later
ook wel The Marx Brothers en Buster Keaton, maar Chaplin bleef.
En die sleutelfiguur is later harlekijn geworden, en nog later de jongleur: een
echte antiheld.”
Hoe zou je het theater en het klimaat van de jaren
’70 omschrijven?
“Alles was in beweging. Na de Studio ben ik naar de
KNS gegaan. Op een bepaald moment organiseerde de directeur een lezerscomité
waar ook acteurs bij betrokken waren. Stilaan veranderde er wat, maar er was
een bepaalde onvrede van jonge mensen in het theater. Omdat we allerlei stukken
naast elkaar aan het spelen waren die soms inhoudelijk tegengesteld waren: de
ene avond Brecht, de andere avond een komedie met een heel ander
discours. Je begint vragen te stellen, de vragen die op dat moment ook leefden
in de maatschappij: ‘Wat ben ik aan het doen? Waarom ben ik theater aan het
maken? Wat wil ik? Wat is het doel ervan? Voor wie doe ik het?’. Dat waren
fundamentele vragen. Op dat moment zaten de theaters bijna vol met abonnees,
het was een beetje vrijblijvend.
En dan ontdekte ik het theater van Dario Fo. Op een
bepaald moment was een stuk van hem geprogrammeerd in de KNS: Zevende gebod,
steel wat minder! waarin ik een kleine rol had. Maar
de hoofdacteur werd een tiental dagen voor de première ernstig ziek en moest
vervangen worden. Regisseur Arturo Corso liet mij de rol overnemen. Ik vreesde
dat amper tien dagen problemen zou opleveren. Dan heb ik drie dagen intensief
met Corso alleen op de scène gewerkt. Ik was toen samen met Hilde Uitterlinden,
zij speelde daarin ook de hoofdrol, dus konden we thuis voortdurend aan die
tekst werken. Ik besefte dat er een ander soort theater bestond dat echt te
maken heeft met wat er leeft in de maatschappij.
Het gevolg was dat Arturo Corso wou verder werken met
ons en een deel van de acteurs van het Zevende Gebod.
Daaruit is Harlekijn ontstaan. Corso had Harlekijn,
de Knecht van twee Meesters van Goldoni bewerkt. In
feite speelden we grote delen Goldoni, maar ook teksten van pré-commedia
dell’arte uit de 14de of 15de eeuw over komedianten en
allerlei dingen. De titel was veranderd van Harlekijn, Knecht van twee
Meesters naar Harlekijn, kies je meester. Daarin
zat de problematiek vervat dat de speler een keuze moet maken voor wie hij gaat
spelen: voor de koning, om te kunnen overleven, of voor het volk? De koning
heeft andere belangen dan het volk. Harlekijn meent dat hij niet hoeft te
kiezen, hij gaat voor de koning spelen want ze hebben honger, ze moeten geld
hebben om te overleven. Harlekijn denkt dat voor de koning spelen geen probleem
is en dat hij hem de waarheid zal vertellen, want hij gaat hem zeggen wat hij
denkt. Als hij dat dan doet, gaat zijn kop er af. Over het beroep van acteur
werden vragen gesteld via het verleden, via teksten van Goldoni en daarvoor.
Theater creëerde vaak openingen, mogelijkheden. Ik heb van alles geleerd, over
de maatschappij en de wereld waarin we leven, dankzij het theater. Het theater
heeft mij bewust gemaakt, door over een aantal zaken te spelen en te
reflecteren. Ik denk dat het bij toeschouwers ook kan gebeuren. Een aantal
dingen zijn echt veranderd in de jaren ‘70.”
Arturo Corso zat in de KNS. Hoe verliep de overgang
naar de Internationale Nieuwe Scène?
“Op een bepaald moment vonden we dat het tijd werd om
even te stoppen met alles en te kijken wat er in de rest van Europa gebeurde op
theatergebied. Hilde en ik namen zes maand verlof zonder wedde in de KNS en
zijn beginnen rondtrekken, van het zuiden van Spanje tot het noorden van
Finland. Overal gingen we naar theater, we keken wat gebeurde, wie belangrijk
was, wat er leefde, wat binnen de theaterwereld aan de gang was. Om daarna
keuzes te kunnen maken met meer kennis van zaken, meer dan wanneer je
opgesloten zat in een schouwburg, in een stad.
We passeerden ook Italië waar we een tijdje bij Dario
Fo zaten. Het kennismaken met Dario Fo in levende lijve, zien wat hij deed in
Milaan, was een heel grote inspiratiebron. Maar zes maanden verlof zonder wedde
en reizen kost geld. We hadden al een paar keer gewerkt met Jo Dua, toen
regisseur in de KNS, en hem laten weten dat we wel voor verandering waren, dat
we een latente ontevredenheid voelden. Niet echt tegenover de KNS, maar dat we
een beetje op onze honger zaten. Toen bracht hij ons in contact met De Munt.
Wij hadden daar dan een voorstelling gemaakt, Hilde, ik en nog een paar mensen
van De Munt. Met de première zei Maurice Huysman: ‘Kijk, als je ooit een
idee hebt, de deur staat open.’ In die zes maand verlof zonder wedde vroegen we
Corso of we iets konden doen in De Munt. Hij wou Brecht doen, met muziek, en
het hebben over de contradicties binnen zijn werk. Brecht tegen Brecht. Na een
tijdje met het werk van Brecht bezig te zijn beseften we dat het een enorme
opdracht was; iets moeilijker dan we dachten en dat daarvoor meer tijd nodig
was dan de tijd waarover we beschikten. Toen dacht Corso aan de Mistero
Buffo. Dat zijn enerzijds de verhalen waarmee Dario Fo de
traditie van de middeleeuwse jongleur terug naar boven bracht, hij had
tekstfragmenten teruggevonden en bijgewerkt. Anderzijds had Dario Fo twee
voorstellingen gemaakt met liederen die gingen over allerlei aspecten van het
leven van de werkende mensen. Tegelijk was het een herwaardering van de
populaire cultuur. Hij bracht uit heel Italië mensen bij mekaar – volksmensen
die de liederen nog kenden en zongen, een boerin zoals La Daffini, een
jongleur uit Sicilië, Busacca, dergelijke mensen. Hij bracht hen naar
Milaan en maakte twee voorstellingen: Ci ragione e canto (Ik denk er over na en ik
zing). Het was een arsenaal aan liederen: liefdesliederen,
werkliederen,... die niet alleen uit Italië kwamen. Giovanni Marini, één
van de grote componisten in Italië die een prachtig vrouwenkwartet heeft, deed
vijf jaar opzoeking door heel Italië. Van al die liederen maakte hij twee
spektakels. Corso’s voorstel was die twee te mengen, hoewel de Mistero Buffo
in Italië nooit zo gedaan was. Huysman van De Munt vond ons zo enthousiast dat
hij het voorstel goedkeurde.
Wij mochten zelf kiezen met wie we wilden werken, wat
fantastisch was! We wilden het in het Nederlands en het Frans spelen, twee
versies, met de helft Vlaamse en de helft Franstalige acteurs. We vroegen Wannes
van de Velde en zijn orkest. Hij vertaalde de liederen en arrangeerde de
muziek. We vonden elkaar nogal goed, met al die mensen samen, en al tijdens de
repetities ontstond, bij een aantal mensen, het idee dat we dit werk verder
moesten zetten, dat het jammer was dat er maar tien voorstellingen waren in
elke taal. Met de première nodigde Huysmans ons uit om ’s anderendaags te komen
praten. Toen vroeg hij ons ‘Waarom stichten jullie geen compagnie?’. We antwoordden
dat we bezig waren, zo is de Internationale Nieuwe Scène/ La Nouvelle Scène
Internationale ontstaan. Met een deel mensen die reeds in de eerste versie van Mistero
Buffo speelden en mensen zoals Jan Decleir , Herman
Gillis en ook spelers uit Franstalig theater, die er nu bij kwamen om samen
dit nieuw gezelschap te stichten. Een tweetalige groep, samengesteld met mensen
van de Franstalige gemeenschap, en Vlamingen. Dat was echt nieuw: we speelden
in Wallonië, in Frankrijk, we zijn overal in Europa op tournee geweest met Mistero
Buffo, maar we speelden in twee talen.”
Mistero Buffo was
een heel groot succes. Wat sprak de mensen daar zo in aan op dat moment?
“Ten eerste al de liederen, die samenzang met een
koor. Alles bewoog constant, dat heeft een geweldige impact! Ten tweede, het
had echt te maken met het leven van de mensen. Tegelijkertijd was het heel
kritisch en draaide het een aantal vaste waarden compleet om. ‘De Passie van Christus’ is ook een groot verhaal.
Maar de komiek werd niet uitgesloten, er zat veel humor in. Alle tragische
dingen werden op een heel komische manier behandeld. Dat raakte heel
rechtstreeks. Die liederen hebben veel mensen lang gezongen en er wordt nog
naar die platen geluisterd. Er leefde op dat moment ook iets in de maatschappij,
alles was aan het bewegen. Een ander feit was dat het uiting gaf van een heel
grote solidariteit. Die was al ingebakken in het spektakel: op scène waren
Walen en Vlamingen samen bezig. In de Vlaamse voorstelling zongen en spraken de
Walen Nederlands, weliswaar met accent maar dat had geen belang. En in de
Franstalige voorstelling speelden de Vlamingen in het Frans. Intuïtief speelde
dat een rol bij de toeschouwers.
De maatschappij zat anders in mekaar dan nu, er waren
veel arbeiderscomités: je had het Groot Arbeiderscomité, zelfs comités die
buiten de vakbond stonden. Bij grote bedrijven heerste grote solidariteit
tussen de twee grote vakbonden. Bij Boelwerf werden de comités geleid door twee
mannen: José De Staelen en Jan Cap. Die vergaderden elke dag een uur of twee
met 3.500 arbeiders in de grote hangars! Zo waren er veel: in Wallonië, in
Antwerpen hadden de dokwerkers hun eigen comité. Degene die buiten de vakbond stonden vonden plots dat
ons theater vertelde wat zij in feite wilden vertellen. Het ging over henzelf,
het raakte hen rechtstreeks. Zij
organiseerden voorstellingen in hun fabriek, meteen voor 1.500
toeschouwers. We speelden ook in sporthallen. We waren gestart in het theater,
maar stilaan waren we daar uit geraakt omdat zij zelf voorstellingen
organiseerden. Dat begon dwars te zitten, wanneer mensen plots autonoom de
cultuur beginnen te organiseren heb je er geen vat meer op.”
Werd
vanuit de bedrijven mee georganiseerd dat de voorstelling daar plaatsvond, of
kozen jullie ervoor om bewust andere plekken op te zoeken dan de theaters?
“Dat liep samen. We wilden overal waar we konden
spelen! In het theater, maar ook buiten het theater. Het materiaal liet dat
toe. Een van de eerste voorstellingen van De Nieuwe Scène speelden we aan zee,
voor een congres van een comité, op een basketterrein. In Ukkel speelden we ook
op een basketterrein, ’s avonds, met een beetje licht erop. We speelden buiten,
het was goed weer, iedereen zat rond ons op de grond of op stoelen. Daar
speelden we Mistero Buffo. Met dat soort theater kon dat
allemaal, dat was ineens open, brak uit het kastje dat het theater was en
richtte zich rechtstreeks tot het publiek. Nu is dat normaal in het theater,
dat er rechtstreeks tot het publiek gespeeld wordt; vroeger hebben wij daarvoor
op onze kop gekregen. De critici zeiden: ‘Dat doe je niet, rechtstreeks tot het
publiek spelen.’”
Jullie speelden ook in tenten. Was dat een manier
om een groter publiek te bereiken?
“Ja, een belangrijke reden was dat de drempel veel
lager werd. Je hebt mensen die gewoon zijn van naar theater te gaan, maar het
gros gaat nooit omdat ze menen dat het niet voor hen is. Door buiten het
theater te spelen, vonden ze wel de weg. Het gedrag van de toeschouwer is ook
anders in zo’n tent. Mensen kwamen in short kijken als het goed weer was, je
hoefde je niet meer op te kleden omdat je naar de schouwburg ging, het was
allemaal veel losser. Het bevorderde ook het contact met de toeschouwers.
Een tweede reden was dat we met de tent los van alles
en nog wat stonden. We wilden autonoom zijn. Alles zelf in handen hebben. We
hebben drie jaar zonder één frank subsidie geleefd! Met vijfentwintig mensen
moesten we overleven, iedereen had het minimum aan loon, iedereen werd gelijk
betaald. Alles werd ook besproken onder elkaar, wat niet altijd fantastisch was
want soms zaten we vier uur te vergaderen. Met vijfentwintig aan tafel werd
absurd, zo vergaderden we bijvoorbeeld over het vertrek van de bus: de ene wou
om zo laat vertrekken, de andere vond een ander tijdstip beter… Dat was een te
ver doorgedreven vorm van democratie! Maar dat waren experimenten, we vroegen
ons af wat democratie was, in de praktijk. Nog een reden was dat in de tent de voorstelling overal hetzelfde kon
zijn. We konden de voorstelling optimaal maken in de tent, met het nodige licht
en al wat we wilden, en die bleef zo, waar we ook gingen spelen. Voordien, als
we in een sporthal of fabriekszaal gingen spelen, schommelde de voorstelling
volgens de middelen die ter beschikking waren.”
Hoe belandde de INS dan vaak in sporthallen of
fabriekszalen?
“Mistero Buffo was in
feite een collagevoorstelling samengesteld uit vele verschillende elementen:
liederen, monologen, verhalen, scènes. Na Mistero Buffo
maakten we voorstellingen over concretere onderwerpen, omdat het ineens leefde.
Plots hadden we contacten met de arbeiderscomités, die voorstellen deden om
ergens over te spelen. We sprokkelden het materiaal bij elkaar tot een
patchwork, een mozaïek van allerlei dingen die uiteindelijk het discours
maakten. Op de duur beschikten we over een overvloed, waarmee we konden
beginnen jongleren. Zo was er op een bepaald moment crisis in de RBP, de
Petrochemie in Antwerpen, de fabriek werd elf maanden bezet. Van het moment dat
er zoiets was namen mensen uit onze groep contact op. Die mannen bleven daar
slapen, gingen maar één keer per week een dag naar huis, voor de rest leefden
zij daar in die fabriek. We zeiden: ‘We weten wat het is, een fabriek bezetten,
we verstaan het als je daar zit, en als je je verveelt willen wij wel voor
jullie spelen’. Zij antwoordden: ‘Ja, maar jullie doen politiek theater, en
politiek zit ons tot hier, die discussies de hele dag…’.
Na een aantal weken kregen wij toch een telefoontje
met de vraag of we met iets konden komen, iets komisch. Dan kozen we materiaal,
zetten dat samen, en gingen dat spelen in de refter, voor 250 mannen. De
reactie van de arbeiders was: ‘Ah, dat is politiek theater, dat is
fantastisch!’. De mannen van het comité wisten dat, de arbeiders waren nog niet
komen kijken en wisten dat niet! Wij zijn blijven discussiëren tot drie uur ’s
nachts, met de nodige bakken bier erbij. De vrouwen in onze ploeg vroegen
waarom hun vrouwen niet kwamen. Bleek dat die niet binnenkwamen in de fabriek.
Iemand zei: ‘Ik werk hier al twintig jaar, mijn vrouw is hier nog nooit
geweest, dat doen we niet’. Wij wilden graag terugkomen met een van onze
vrouwenmonologen, maar twijfelden of we de eis konden stellen dat we enkel
terugkwamen als hun vrouwen ook binnenmochten. Uiteindelijk hebben we dat toch
voorgesteld. Neen, dat ging niet, de vrouwen waren nog nooit binnengeweest. We
antwoordden dat we er serieus over gingen nadenken of we nog terugkwamen. In
één keer was er dan een telefoontje dat de vrouwen toch mochten komen. Dan
ontvingen we hen ’s middags en toonden de fabriek. Prachtig hoe zij allemaal
opgekleed waren! ’s Avonds speelden we een voorstelling, waarin
vrouwenmonologen zaten over de situatie van de vrouw. Daarna volgde een
discussie met de mannen. Vanaf dat moment zijn de vrouwen alle dagen naar de
bezetting gegaan. Zij maakten eten klaar en brachten het, dat creëerde nieuw
leven in die fabriek. Allemaal dankzij het theater, maar dat zijn
uitzonderlijke situaties. Dat is hartverwarmend, zo’n dingen in één keer mogen
beleven, dat waren onvoorstelbare momenten! Dit was mogelijk omdat het episch
theater was, en mobiel.”
Je geeft aan dat theater indirect via de arbeiders
en de vrouwen een boodschap kon brengen, maar had het ook op politiek vlak
invloed, reageerden politici op wat jullie vertelden?
“Zij reageerden daar op door ons de eerste drie jaar
geen subsidie te geven! We hadden altijd maar juist genoeg om niet compleet te
verdrinken. In Vlaanderen wordt niets klaar uitgesproken, maar we foefelen en
draaien de dingen. Er zijn voorstellingen geweest die we heel moeilijk konden
verspreiden. Dan zeiden ze dat de zalen niet vrij waren, of dat het op dat
moment niet ging, terwijl daar de gedachte ‘die komen hier niet binnen!’ achter
zat. Maar belangrijk was dat in die eerste jaren van de INS een internationale
solidariteit werd gecreëerd. Dat hangt natuurlijk af van de situatie buiten,
maar theater kon dat op een gegeven moment realiseren. Toen de dokwerkers in
Antwerpen een grote staking hielden, wilden zij ook solidariteit vragen aan
Rotterdam. Zij vroegen De Nieuwe Scène mee naar Rotterdam om daar op te treden
in een refter of in een hal. Zo reden we met een bus, met het dokwerkerscomité,
naar Rotterdam. Wanneer Glaverbel, een glasfabriek in Wallonië, in staking was,
gingen wij daarheen. Dat was een heel acute situatie, de fabriek was bezet,
buiten stond de gendarmerie met de kanonnen klaar om de fabriek te ontzetten.
En de stakers zeiden: ‘Als je nog eens de fabriek durft te ontzetten, doen we
alle vans open en het brandend glas loopt er zo uit!’. Wij waren naar Glaverbel
getrokken, uit solidariteit met de Walen, om te zingen en te spelen, en de
dokwerkers waren meegegaan. Dat theater was ineens een bindend element. Die
solidariteit brak ook de sleur van vergaderingen, bracht een soort emotionaliteit
teweeg, werd bijna fysiek. Dat waren fantastische momenten!”
De INS had veel mensen in de rangen maar deed het
de eerste drie jaar zonder subsidies. Welk effect had dit op langere termijn op
jullie productiestructuur, hoe beïnvloedde dat de evolutie daarvan?
“Er zijn grote evoluties geweest. Op een gegeven
moment waren we met heel veel, maar de intensiteit waarmee we moesten werken
was zo groot. We waren bijna elke dag op tournee, dat was heel zwaar. We waren
niet altijd even efficiënt georganiseerd, als we bijvoorbeeld op tournee waren
in Frankrijk voor twee maanden moesten we af en toe terugkomen om een
voorstelling in Nederland te spelen, om ’s anderendaags terug te keren naar
Frankrijk. Overdag repeteerden we om het Vlaams bij te houden. Mensen werden
ziek, vielen weg, moesten vervangen worden. Op een gegeven moment werd dat heel
zwaar voor een aantal mensen. We vergaderden veel, alles werd besproken in een
algemene vergadering. En op een zeker moment kwam er een splitsing: enerzijds
de Mannen van den Dam, en anderzijds het Kollektief INS. We waren nog met een
stuk of tien. Dat was heel verschillend, zo’n kleine groep, de vergaderingen
gingen veel vlotter van de hand. Over alles discussiëren neemt tijd in beslag.”
Mistero Buffo wordt
als één van de markantste voorstellingen van de jaren ’70 gezien, klopt dat
volgens jou?
“Ik meen van wel want dat veranderde heel wat in het
theater. Het was voor het eerst een ander soort theater, een collage van
allerlei elementen: muziek, zang, verhalen, scènes,... Ook het publiek betrekken, als getuige nemen dat je aan het spelen bent, niet onder elkaar
bezig zijn. Allemaal vernieuwende elementen voor die periode, ook al was het
heel oud materiaal, uit de 15de, 16de tot de 19de
eeuw.
De impact was zodanig dat het blijft achtervolgen, het
is een mythe geworden. Wat de mensen er in hun hoofd van maken… Op een zeker
moment keerden we oververmoeid terug van een tournee in Nederland met in onze
vrachtwagen de kostuums en het decor. Onze vrachtwagen crashte, alles vloog in
brand: gilets, hemden, broeken, tafels en stoelen. Twee dagen later moesten we
spelen in een sporthal in Aalst. We zijn gaan spelen, met andere tafels en
kleren, we vertelden het publiek dat we geen geld hadden voor een ander decor.
Die dingen groeiden in de verbeelding van de toeschouwer en zo werd Mistero
Buffo een mythe tot op de dag van vandaag. Mensen houden
ons tegen, vertellen over Mistero Buffo. Daardoor
spreekt men niet meer over wat daarna gekomen is. Toen we drie weken op de
kaaien in Antwerpen Tricolore Triste speelden
in de tent met een capaciteit van 600 man, stond een file buiten van 200 man te
wachten! De andere voorstellingen zoals De Herkuls hadden
evenveel publiek. Alleen, de Mistero Buffo bleef
altijd een mythe.”
Bleef
alles wat na Mistero Buffo is gemaakt altijd wat in de schaduw ervan omdat het zo’n
succes was?
“Blijkbaar! Maar niet in de praktijk, niet wanneer we
aan het spelen waren. We trokken twee jaar rond met Moeder Courage,
90 voorstellingen, en we haalden een gemiddelde van 650 toeschouwers. Maar Mistero
Buffo werd als gevolg van zo’n samenloop van omstandigheden
in de maatschappij, van mensen die mekaar vinden en als gevolg van
uitzonderlijk theatraal materiaal een enorme mythe.”
Vanwaar
de idee om met elementen van de commedia dell’arte te werken? Of om zo’n
oude theatervorm te gebruiken om nieuw theater te maken?
“We hebben dat niet altijd gedaan, voor Moeder
Courage hebben we geen commedia dell’arte
gebruikt. Wel voor De Herkuls, een van de eerste
voorstellingen in de tent. We leefden vier à vijf maanden met de dokwerkers
samen in de dokken, bekeken alles, overlegden veel met hen, want we wilden iets
maken over de geschiedenis van de dokken van Antwerpen. In die tijd waren er
24.000 dokwerkers. Een van die dokwerkers zei zelfs: ‘Charles, hoe ga je nu een
dokwerker spelen? Zo’n klein manneke! De dokwerkers zijn types van 1m90, zware
gasten, dat kan toch niet!’. Ik besefte dat heel naturalistisch doen niet zou
werken. Wij wilden theater maken dat de verbeelding van de toeschouwer aan het
werk zet. Voorheen bracht men meestal naturalistisch theater, behalve het
episch theater van Brecht in de schouwburgen, maar nooit een voorstelling die
echt een beroep doet op de verbeelding van de toeschouwer. Dat zat heel sterk
in Mistero Buffo. Het was ook één van de elementen
die een grote rol speelde in het aanslaan bij het publiek.
Wij wilden dus nog altijd theater maken dat alleen
maar aanreikt, zodat de toeschouwer moet reflecteren en creatief kan worden. We
vroegen ons af hoe je bijvoorbeeld een dodelijk ongeval van een dokwerker kan
uitbeelden. Het was ook moeilijk om die bijzondere types van dokwerkers uit te
beelden, de verschillen duidelijk te maken. Wij zagen er personages van de
commedia in. Mnouchkine had met L’âge d’or
een grote studie gemaakt over de commedia dell’arte, wat ons zeker geïnspireerd
heeft. Dat, en de ervaring met Harlekijn
en Arturo Corso, gaf ons diep vertrouwen in deze benadering. Daarbij kende
Antwerpen nog de traditie van de Poesje, het poppentheater. Dus we wilden een
stijl hanteren die berustte op de commedia dell’arte, met maskers en poppen,
vertaald naar de eigen tijd. We hadden de studie gemaakt van de commedia zoals
ze traditioneel gespeeld werd in de 16de en 17de eeuw,
maar zochten naar wat dat anno jaren ’70 voorstelde. We begonnen met
improvisatie. Ook vroegen we Tone Brulin om te schrijven, hij had een
theoretische studie gemaakt over interviews met dokwerkers. Al dat materiaal
kwam bij elkaar. We kozen voor een leeg circusplateau, zonder accessoires,
enkel een ton die we voor van alles en nog wat konden gebruiken. En voor de
rest verbeelding. De dood beeldden we uit in een pantomime. De commedia liet
ons toe om een dodelijk werkongeval te spelen: een dokwerker die door een
gewicht van een grote kraan verpletterd wordt wanneer de kabel doorscheurt. Wat
op een fractie van een seconde gebeurt, hebben we op één minuut gespeeld,
vertraagd. Dat konden we doen met commedia, met een lege scène. Dat werkte veel
sterker en raakte de mensen veel dieper dan wanneer we het naturalistisch
zouden gebracht hebben. Het liet ons ook toe veel humor te gebruiken, zodat de
dokwerkers met zichzelf zouden kunnen lachen. De commedia gaf een veel grotere
epische kracht.”
Waren jullie heel bewust bezig met in hoeverre de
vorm de boodschap kon overbrengen, als jullie met een koor werkten
bijvoorbeeld, of massascènes deden?
“Ja, de politieke boodschap was belangrijk, we
reflecteerden veel. Soms was het heel politiek omdat het over heel concrete en
specifieke zaken ging, bijvoorbeeld met Putsch. Wat
betreft de inhoud wilden we altijd theater maken dat maatschappelijk relevant
is, dat te maken heeft met wat leeft in de maatschappij. Via het theater wilden
we het hebben over de grote problematieken van de tijd. We hadden het graag over
ernstige, tragische dingen, maar met heel veel humor. Theater moet onderhoudend
zijn. Het omdraaien van de zotten, dat hebben we geleerd van de jongleurs uit
de middeleeuwen en van Dario Fo. Voor ons
moet inhoud en vorm één geheel zijn. Een van de elementen is dat het appel moet
doen op de verbeelding van de toeschouwer. Maar de vorm zal voortvloeien uit
het onderwerp waarmee we bezig zijn.
Ten tijde van de putsch in Chili ontstond een
Chili-comité met de eerste Chileense vluchtelingen die aangekomen zijn in
Antwerpen, om acties te doen tegen Pinochet. Ze vroegen: ‘Jullie zijn een
geëngageerde groep, willen jullie komen spelen op een Chili-avond die we
organiseren in De Harmonie in Antwerpen?’. Ze dachten dat De Nieuwe Scène met Mistero
Buffo zou komen, of delen eruit, zodat er veel volk zou
komen en zij hun discours over Chili konden brengen. Wij zagen dat niet zitten,
dat zou pure consumptie worden, we wilden het ook over Chili hebben. Dus hebben
we ons drie dagen en twee nachten met die Chilenen aan tafel gezet. Zij hebben
ons de zanger Victor Jara leren kennen, het discours van Allende.
Dario Fo had in Italië een voorstelling gemaakt over Chili, na de putsch. Hij
had een monoloog geschreven over de houding van de christen-democraten. Twee
journalisten van de Revolutionaire Radio versloegen de putsch op de radio,
minuut na minuut, totdat het leger binnenviel en hen van kant maakte. Fo had
die banden gekregen en wij kregen ze via Corso. Verder gebruikten we liederen
van Victor Jara en teksten van Fo. Dat zetten we samen. Dus we stonden daar een
half uur, met ons project over Chili, op drie dagen gemaakt. En dat werkte,
zoals Mistero Buffo. Zodanig dat we nog gevraagd
werden, overal werden Chili-comités opgericht. Hasselt, Leuven, Brussel, op de universiteiten.
Op de duur is dat uitgegroeid tot anderhalf uur, we kregen steeds materiaal
bij. De vorm evolueerde ook: wij stonden met micro’s, soms met, soms zonder
tekst in de hand. Soms speelden we echt een scène die we gemaakt hadden. Die
vorm vloeide net voort uit de inhoud die we wilden doen op dat moment. Dat
hebben we altijd betracht: vertrekken van een leeg plateau, het gaat om de
inhoud die we willen vertellen. Zo ontstaat de vorm, en die wordt iedere keer
anders. Wanneer wij in het circus speelden, was het anders dan in het theater.
Het circus dringt je ook een bepaalde vorm op. Alles beweegt in een tent. Het
zeil beweegt, als het regent krijg je de trommel er op, de wind speelt er in.
De architectuur is anders, dus verandert de vorm van je theater.”
Van De Ballade van de Grote en Kleine Poppen
wordt gezegd dat het veel duidelijker was in zijn politieke boodschap en er
daardoor heel anders op gereageerd werd, dat de kritiek daarop gemengd was.
“Ja, dat was al een tijdje aan de gang. Mistero
Buffo had heel goede kritieken gekregen. Toen ze zagen dat
die arbeiderscomités dat voor ons organiseerden, zijn de kritieken ineens
anders geworden. Dat was toch niet meer hetzelfde. De Ballade voor Grote en
Kleine Poppen ging over meer specifieke dingen. Door Mistero
Buffo hadden we veel contact met die arbeiderscomités, veel
gesprekken en discussies over wat er leeft, wat de problemen waren met de
arbeiders. De mensen zeggen gemakkelijk: ‘Daar zouden ze iets over moeten
maken!’. Zo gingen we meer specifieke dingen maken, en daar raakten we heilige
huisjes, bijvoorbeeld de vakbond. We leverden kritiek op van alles en nog wat.
Ineens vond men het theatraal niet meer goed, omdat je dingen begint aan te
raken. Dat had een specifieke vorm, en die vorm hoorde niet op dat moment. Dus
krijgt dat kritiek, van de theatercritici, maar niet van het publiek. In
Vooruit speelden wij toen voor 1000 man, de mensen stonden recht in de gang,
zaten op de trappen. Overal waar we De Ballade voor Grote en Kleine Poppen
gingen spelen. In Antwerpen speelden we in de Olympia, waar nu de Zillion is,
voor 1.500 man. Dat zat stampvol, maar binnen het kader van de traditionele
theateropvattingen en de traditionele theaterkritiek paste dat niet. Zoals
avant-garde voor bepaalde critici op een gegeven moment ook niet paste.”
Was
de splitsing van De Internationale Nieuwe Scène in ’76 in Het Kollektief en De
Mannen van den Dam een ideologische keuze, of kwam dat puur door
omstandigheden?
“Dat was eerder door omstandigheden, minder
ideologisch. Zij hadden geen zin meer om met Arturo Corso te werken. Een tweede
punt was dat zij een ander soort theater wilden maken. Wij werkten nog veel met
materiaal van Dario Fo, geen voorstelling zoals hij die ooit gemaakt had, maar
wel materiaal dat uit allerlei hoeken kwam, teksten die pasten in een bepaald
kader. Zij wilden daar echt van afstappen. Later waren er andere theatermakers
die op mij bijzonder inspirerend werkten. Luis Valdez van Teatro
Campesino in Californië van de Chicano’s, bijvoorbeeld, of Peter Shumann
van Bread and Puppet Theatre. Wij zijn daar ook een tijd geweest en dat heeft
een invloed gehad. Daardoor hebben wij ook De Herkuls
kunnen maken. Wij zijn Dario Fo blijven spelen maar we speelden ook ander
materiaal.”
Wat was nu precies de aantrekkingskracht van Arturo
Corso, en bij uitbreiding van Dario Fo?
“Wij verstonden elkaar heel goed, we vonden ineens het
soort theater dat compleet klikte. Hij heeft ons heel veel geleerd, kwam met
veel materiaal af. Ook had hij een bepaalde ervaring om met bepaalde situaties
om te gaan: vandaag in een sporthal spelen, morgen op een basketbalterrein. Hij
had het al een tijd gedaan in Italië met Fo, daar konden wij een boel van
leren. Er was een grote affiniteit op dat moment. Later ontstond het besef dat
we ook bepaalde elementen hebben die eigen zijn aan ons land en onze cultuur.
De situatie is hier anders dan in Italië, dat moesten we echt aanpassen. Dat
kon Corso niet want hij kende de situatie niet echt, en dan ontstonden er
discussies. Toen hebben we gezegd dat we echt dingen van hier en nu wilden
maken, met al wat we geleerd hadden van Fo. Dario Fo zei zelf tegen ons dat we
dingen moesten veranderen, aanpassen aan onze situatie. Hij noemde zelfs delen
van zijn theater ‘théâtre à brûler’. Wij betalen niet
pasten we aan omdat de situatie hier anders is dan in Italië. Maar dan zijn we
onze eigen dingen beginnen maken, zoals De Herkuls, Tricolore
Triste, of we speelden Moeder Courage
van Brecht.”
Die thema’s, dat politieke, de bewustwording, het
feminisme,… zag je dat alleen bij de Internationale Nieuwe Scène, of ook bij
andere theaters?
“De grote theaters speelden repertoirestukken. We
trokken veel op met Vuile Mong en zijn Vieze Gasten. Hij leefde ook en marge,
had zijn klein tentje, was anders georganiseerd. Wij deden grote spektakels,
met grote verhalen, zoals Courage of Tricolore
Triste. Maar dat was met de grote tent, dus toch nog anders.
Er waren andere theaters die met politieke dingen bezig waren. In Nederland was
er Proloog, in Vlaanderen Dirk Decleir. De Beurs in Brussel was ook
bezig met zo’n werk, maar op een andere manier, zij werkten echt nog in
kleinere theaters. Hoe de grote huizen daar naar keken, weet ik niet goed.”
Als je er op terugkijkt, wat heeft het theater uit
de jaren ’70 verwezenlijkt voor het theater van nu en wat is daaruit
meegenomen?
“Ik weet dat niet, maar ik zie de laatste jaren in het
theater terug een grote maatschappelijke bekommernis. Dat ze nu allemaal weer
aan het zoeken zijn, in de grote schouwburgen, naar maatschappelijk relevante
dingen die ze willen vertellen. Mephisto van Tom
Lanoye in het Toneelhuis, de KVS en Dito’Dito in Brussel. Vroeger deden zij
ook zo’n werk, op een andere manier, maar toch altijd met maatschappelijke
bekommernis. Die is nu veel groter dan de periode voorheen, dat is eindelijk
terug de schouwburg ingetrokken. Ik weet niet in welke mate er invloeden kunnen zijn, of geweest zijn. Maar toen ik even in de
KVS werkte en met Willy Thomas en Guy Dermul praatte, waren er
een aantal dingen onderhuids die we niet meer hoeven te vertellen, die we al
weten van elkaar. Je zou aan hen moeten vragen of zij daardoor beïnvloed zijn.”
Is er iets dat je zou willen meegeven aan de
huidige theaterwereld, dingen die anders kunnen?
“Iedereen moet theater maken zoals hij meent het te
moeten maken. Theater is rijk, ik geloof dat iedere kunstenaar zijn eigen
opvattingen, zijn eigen manier heeft. Maar goed ook, hoe meer verschillend
theater, hoe beter. Beter voor het theater, beter voor alles. Iedereen moet
maken wat hij wil, in alle eerlijkheid. Ik heb geen raad te geven; ik zou soms
raad kunnen gebruiken. Maar op theatergebied zijn ze fantastisch bezig in
Vlaanderen. Wij hebben echt heel goede theatermakers.”
Vindt u het boeiend hoe men nu politiek theater
maakt, hoe men de thema’s of de maatschappelijke betrokkenheid probeert weer te
geven?
“Ja! Iedereen werkt met de middelen die hij heeft,
uiteraard. Ik zou nooit een voorstelling kunnen maken zoals Guy Cassiers,
hij beschikt ook over andere middelen; geldelijke, technische en menselijke
middelen, en dat speelt een rol in hoe je theater gaat maken. Maar ik vind dat
er echt heel goede dingen zijn, dat er ernstig gezocht en gewerkt wordt. Wat
mij sterk geraakt heeft, nog voor de INS bestond, was The Living Theatre van
New York. Toen we Julian Beck en Judith Malina met
Paradise Now en The Brick in
Brussel zagen: dat was schokkend, fantastisch, ik zie de beelden van die
voorstelling nog. Ook hoe zij Antigone van
Brecht bewerkten.”
Je zegt: “Ik zie die beelden voor mij, dat sprak
mij heel erg aan”. Kan je dat omschrijven?
“Het was heel krachtig. The Living Theatre ging
inhoudelijk ver, provoceerde zodat de mensen in de zaal ongemakkelijk zaten!
Hun agressie tegen de bourgeoisie confronteerde. Ze kwamen de zaal in, neus aan
neus met de toeschouwer. Mensen voelden zich aangevallen. The Brick,
ook fantastisch, ging over de gevangenis van The Marines, hoe die gefolterd
werden als ze wat uitgestoken hadden. Dat was onvoorstelbaar. Verder zijn er
nog een heel stel theatermakers die voor mij erg inspirerend werkten, o.a. Peter
Brook, Ariane Mnouchkine, Jérôme Savary, Jérôme Deschamps, Albert
Boadella met zijn Els Joglars en nog vele anderen. Maar ja, theater
kan men moeilijk navertellen, dat moet je meemaken, dat moet je beleven. En als
de voorstelling voorbij is, is het gedaan. C’est la vie.”
Interview: Karlien Vanhoonacker
Transcriptie: Diane Bal
Eindredactie: Lene Van Langenhove